18 tableaux célèbres réimaginés avec l’IA par g361

En 2023, nous déménagions dans de nouveaux locaux certes flambant neufs, mais très blancs. Très vite, l’idée de colorer nos murs s’impose. Un nouveau défi pour les équipes créatives : transformer cet espace vierge en une création artistique inspirante et unique.

Ok pour l’hommage artistique, mais l’idée n’est pas de transformer notre espace en vieux musée. La plupart des peintures célèbres, bien que magnifiques, sont souvent sombres et dépourvues de couleurs vives, n’égayant pas vraiment un intérieur moderne.

Nous nous sommes alors lancé un défi audacieux : utiliser les intelligences artificielles génératives pour réimaginer ces tableaux emblématiques dans un style plus coloré, pop et tendance, et ce, dans un traitement photoréaliste !

Ce projet a donné naissance à une collection unique de 18 œuvres d’art revisitées. Des chefs-d’œuvre classiques, de la renaissance italienne au postimpressionnisme, transformés en compositions débordantes de couleurs vives et d’optimisme. Chaque tableau réimaginé est une fusion de l’ancien et du nouveau, capturant l’essence de l’original tout en lui insufflant une nouvelle dose de modernisme, en intégrant les codes des réseaux sociaux et les tendances actuelles de la mode. On vous fait faire le tout du propriétaire ! 

Self Portrait
de Vincent Van Gogh
Lieu : Open Space Créa

Vincent van Gogh a réalisé de nombreux autoportraits au cours de sa carrière, dans lesquels il se présente de trois quarts, regardant directement le spectateur. Le peintre utilise des coups de pinceau énergiques et des couleurs vives qui expriment l’intensité de ses émotions et son état psychologique. L’artiste souffre en effet de crises mentales sévères, troubles qui le mèneront à l’asile.

Son regard intense et les motifs tourbillonnants du fond laisse apercevoir l’introspection profonde et la turbulence émotionnelle de l’artiste. Le contraste entre le visage expressif et le fond dynamique symboliseraient la dualité de son existence : une façade calme face à un intérieur tourmenté. Pour notre tableau, nous avons choisi de lui apporter la sérénité en le représentant devant l’une de ses plus belles œuvres : la nuit étoilée.

La naissance de Vénus 
de Sandro Botticelli
Lieu : Bureau d’Arnaud

« La Naissance de Vénus » est sans doute l’une des plus célèbres peintures de la Renaissance italienne, actuellement conservée à la Galerie des Offices à Florence. Réalisée entre 1485 et 1486, cette œuvre emblématique du peintre italien Sandro Botticelli est acclamée pour sa beauté élégante, son utilisation magistrale de la mythologie classique et son influence durable sur l’art occidental.

L’œuvre représente la déesse romaine Vénus, incarnation de l’idéal de beauté féminine de la Renaissance, émergeant des eaux sur une coquille Saint-Jacques. Elle est accompagnée de Zéphyr, le dieu du vent de l’ouest, propulsant Vénus vers le rivage avec l’aide d’Aura la déesse du vent léger, ainsi qu’une des Heures, personnification du printemps, qui s’apprête à couvrir Vénus.      

Admirée et iconique pour sa beauté intemporelle et son riche symbolisme, cette toile est la représentation parfaite des idéaux de la Renaissance italienne : le retour aux idéaux classiques de l’Antiquité, l’exploration de la perspective et une attention accrue à la représentation réaliste des formes humaines et naturelles. Notre version transforme Vénus en égérie au potentiel au combien instagrammable. 

La Jeune Fille à la perle
de Joahannes Vermeer
Lieu : Open Space Conseil

Cette peinture à l’huile sur toile, réalisée par Johannes Vermeer vers 1665, est l’une des œuvres les plus emblématiques de l’art baroque néerlandais. Elle représente une jeune femme tournée de trois quarts vers le spectateur, portant un turban bleu et jaune. Une grosse perle orne son oreille, attirant l’attention par sa luminosité. La Jeune Fille à la perle, dont le regard exprime la vie et la curiosité, est célébrée pour son mystère et sa beauté.

Johannes Vermeer, véritable maître du Siècle d’or néerlandais, est connu pour ses intérieurs domestiques tranquilles, ses scènes de genre et ses portraits intimes. Il est particulièrement renommé pour sa maîtrise de la lumière et de la texture, comme le témoigne ce tableau : la perle, élément le plus distinctif de l’œuvre, capture parfaitement la réfraction de la lumière.

La Laitière 
de Joahannes Vermeer
Lieu : Open Space Créa

Voici une autre œuvre célèbre du peintre néerlandais Johannes Vermeer. Réalisée entre 1658 et 1660, c’est un autre exemple du talent de Vermeer pour capturer la beauté des scènes de la vie quotidienne avec une maîtrise exceptionnelle de la lumière et des détails.

Le tableau original représente une jeune femme versant du lait d’un pichet dans un récipient sur une table. Cette laitière, vêtue d’une robe jaune avec un tablier bleu et une coiffe blanche, est concentrée sur sa tâche, ajoutant une dimension de tranquillité et de dévouement au travail domestique. La laitière orne depuis plus de 40 ans maintenant les pots de la marque de yaourt éponyme, devenant bien malgré elle un symbole de la grande consommation. Notre réinterprétation quelque peu plus festive ne manquerait pas d’être prohibée par la loi Evin ! 

 

La Joconde
de Leonardo De Vinci
Lieu : Petite salle de réunion

Il était impossible de ne pas réimaginer ce qui est sans doute la peinture la plus célèbre de l’histoire de l’art, dont le regard énigmatique croise celui de millions de visiteurs venus l’admirer au Louvre chaque année. Réalisée par Leonardo da Vinci probablement entre 1503 et 1506, ce tableau exerça une influence immense sur l’art et la culture, copié et parodié d’innombrables fois, devenant ainsi une icône mondiale de l’art occidental.

Ce portrait est celui de Lisa Gherardini, l’épouse d’un marchand florentin nommé Francesco del Giocondo qui avait commandé ce tableau au peintre pour célébrer la naissance de son deuxième fils et la construction de leur nouvelle maison… et qu’il n’obtint jamais, Leonard De Vinci le conservant jusqu’à sa mort ! Le sourire de la Joconde est l’un des aspects les plus discutés et fascinants du tableau. Il semble changer d’expression selon l’angle de vue du spectateur, ce qui ajoute à son mystère. Pour notre réinterprétation, nous avons cherché à mettre en lumière l’évolution des critères de beauté entre la Renaissance et aujourd’hui, avec une Mona Lisa qui reflète les standards contemporains, mais conserve l’aura mystérieuse qui fait d’elle une œuvre intemporelle.

Le Voyageur contemplant une mer de nuages
de Caspar David Friedrich
Lieu : Pole Traffic et Social Listening

Cette œuvre de Caspar David Friedrich incarne sans nul doute l’essence même du romantisme allemand, un mouvement artistique qui se développe à la fin du XVIIIe siècle en cherchant à s’abstraire de la réalité, en se tournant vers la nature, la spiritualité et l’introspection, en réaction au rationalisme des Lumières et des conventions classiques.

Debout sur un rocher au sommet d’une montagne, un homme contemple, tournant le dos au spectateur, un paysage enveloppé de brume. Une mer de nuages à la beauté envoûtante, presque irréelle, dans laquelle on aperçoit au loin des sommets qui n’existent que dans l’imaginaire de l’auteur. Nous partageons alors avec lui cet horizon infini, à la fois grandiose, vertigineux et inquiétant. Car pour le peintre, la nature ne correspond pas nécessairement au réel mais reflète avant tout l’âme tourmentée de l’artiste qui voit.

 

Les époux Arnolfini
de Jean Van Eyck
Lieu : Grande salle de réunion

Cette œuvre emblématique de l’artiste flamand Jan van Eyck, réalisée en 1434, est un exemple remarquable de l’art des Primitifs flamands, un mouvement artistique qui s’est développé en Europe du Nord au cours du XVe siècle. Les Primitifs flamands sont connus pour leur attention méticuleuse aux détails, leur maîtrise de la technique de la peinture à l’huile et leur capacité à rendre les textures et les matériaux de manière très réaliste. 

Le tableau original représente un couple, Giovanni di Nicolao di Arnolfini, un riche marchand italien vivant à Bruges, et son épouse. Ils se tiennent dans une chambre richement décorée en se tenant par la main. Pour apporter une touche de modernité à cette œuvre classique, symbole de la naissance d’une bourgeoisie commerçante post époque médiévale, nous avons choisi de jouer l’anachronisme en représentant un couple mixte, une vision évidemment impossible à l’époque de Van Eyck, mais qui reflète la diversité et l’inclusion de notre monde contemporain.

La grande vague au large de Kanagawa 
de Katsushika Hokusai
Lieu : Pole Traffic et Social Listening

On s’éloigne du continent Européen avec « La Grande Vague au large de Kanagawa » une œuvre célèbre de l’art japonais, réalisée par Katsushika Hokusai aux alentours de 1830. Il s’agit d’une estampe sur bois, une technique de gravure qui consiste à imprimer une image à partir d’une planche de bois gravée, en utilisant plusieurs blocs pour chaque couleur dans l’estampe finale.

L’œuvre représente une gigantesque vague menaçante sur le point de s’écraser sur trois bateaux de pêche, avec le paisible mont Fuji visible en arrière-plan. L’originalité de cette œuvre réside dans le contraste offert par cette mer déchainée, dont les griffes d’écume blanche semblent prêtes à engloutir tout sur leur passage, et la présence stable et immuable du mont Fuji, symbole de la beauté et de la permanence au Japon.

Ce tableau reste certainement l’une des œuvres d’art les plus reconnaissables au monde, symbolisant non seulement l’art japonais mais aussi l’universalité de la lutte humaine face à la nature. Sur ce tableau, nous avons simplement ajouté une pointe de modernité en teintant la toile des couleurs des néons de Tokyo.

 

Deux femmes sur la plage
de Paul Gauguin
Lieu : Petite salle de réunion

Voici un tableau de Paul Gauguin, peint en 1891 lors de son premier séjour à Tahiti. L’artiste postimpressionniste français est justement célèbre pour ses œuvres vibrantes et colorées qui capturent la vie et la culture des îles du Pacifique. Connu pour son utilisation audacieuse de la couleur et son intérêt pour les cultures non occidentales, Gaugin a voyagé en Polynésie française pour trouver une source d’inspiration plus pure et plus primitive.

« Deux femmes sur la plage » montre deux femmes tahitiennes assises sur une plage de sable. Gaugin représente ces figures féminines de manière réaliste mais stylisée, avec des corps robustes et des visages sereins. Les éléments naturels de l’arrière plans sont simplifiés mais richement colorés, reflétant l’approche unique de Gauguin à la peinture. Ainsi, cette œuvre est la représentation parfaite de la quête de l’authenticité et de la simplicité qui animait Gaudin. 

La Promenade 
de Claude Monet
Lieu : Bureau de Thierry & Régine

Également connue sous le titre « La Femme à l’ombrelle, » cette peinture emblématique de Claude Monet réalisée en 1875 est caractéristique du style impressionniste du peintre. Elle représente sa femme Camille et leur fils Jean dans une scène de plein air baignée dans la lumière du soleil, symbolisant une journée idyllique et paisible.

« La Promenade » est un exemple parfait du mouvement impressionniste, qui cherche à capturer des moments fugitifs de lumière et de couleur, souvent peints à l’extérieur pour saisir les effets changeants de la lumière naturelle. Cette pièce maîtresse de l’œuvre de Monet, et de l’impressionnisme en général, inspirera une approche plus libre et plus expressive de la peinture aux générations suivantes.

 

American Gothic
de Grant Wood
Lieu : Pole Social Media & Veille

Ce tableau de Grand Wood est considéré comme une représentation iconique de la culture rurale américaine, particulièrement celle du Midwest. Il représente un homme et une femme aux expressions sombres et solennelles devant une maison de style néo-gothique. La scène est reproduite avec une précision presque photographique, tout comme les vêtements des personnages et les éléments architecturaux de la maison.

Peint en 1930 durant la Grande Dépression, Grant Wood cherche à représenter la vie quotidienne de cette Amérique Rurale durement touchée par la crise économique. Pourtant, les personnages d’American Gothic laissent place à de nombreuses interprétations : satire du conservatisme des communautés rurales pour les uns, célébration respectueuse de la dignité et de la persévérance des fermiers américains chez les autres. Quant à nous, c’est en diktat de la mode à l’ère des réseaux-sociaux que nous avons choisi de les interpréter. 

Les Joueurs de cartes
de Paul Cézanne
Lieu : Open Space Conseil

Tout comme son contemporain Claude Monet, Paul Cézanne a souvent peint des séries sur le même thème. C’est le cas des Joueurs de cartes, série considérée comme l’une des œuvres les plus importantes de Cézanne, et une étape cruciale dans le développement de l’art moderne ouvrant même la voie au cubisme. Chacun des 5 tableaux qui compose cette série offre une approche novatrice de la composition et de la couleur. 

Ces toiles représentent généralement deux ou plusieurs hommes assis à une table, concentrés sur une partie de cartes. La table, les cartes, les bouteilles et les chaises sont rendues avec une précision géométrique, créant un équilibre entre les formes. Une recherche approfondie de la structure et de la composition, réduisant les formes à des éléments géométriques de base, ce qui explique l’influence du travail de Cézanne sur des artistes comme Picasso et Braque. 

Si vous voulez admirer les originaux de vos propres yeux, il vous faudra visiter plusieurs musées prestigieux à travers le monde, du Musée d’Orsay à Paris au Metropolitan Museum of Art à New York !

 

Le Baiser
de Gustav Klimt
Lieu : Open Space Conseil

On passe à l’Art Nouveau avec l’un des tableaux les plus célèbres de Gustav Klimt, réalisé entre 1907 et 1908. Outre la riche ornementation caractéristique de ce mouvement, l’œuvre de Klimt se démarque par l’utilisation de feuilles d’or pour créer des motifs complexes et des effets de lumières. Dans sa période « dorée » où l‘artiste intègre largement l’or dans ses œuvres, il explore la sensualité et l’intimité à travers des thèmes mythologiques et allégoriques. 

Le Baiser représente un couple enlacé dans un moment intime de tendresse et de passion. Les deux figures s’entremêlent dans une étreinte intense, leurs corps fusionnant avec les motifs ornementaux dorés. C’est pourquoi l’œuvre est souvent considérée comme une ode à l’amour et l’union spirituelle, dans laquelle les limites entre individus sont dissoutes. 

Napoléon franchissant les Alpes
de Jacques Louis David
Lieu : bureau d’Arnaud

Cette œuvre emblématique peinte par Jacques-Louis David immortalise Napoléon Bonaparte dans une pose héroïque et triomphante, soulignant son rôle de grand leader militaire. Commandé par Charles IV d’Espagne au peintre comptant comme l’un des plus influents de son époque, David capture cet instant dans un style néoclassique distinctif.

Il existe cinq versions de ce tableau réalisées entre 1801 et 1805, chacune présentant de légères variations, mais toutes visant à glorifier Napoléon et à renforcer son image de leader invincible et charismatique. Souvent interprété comme une œuvre de propagande politique, il n’en reste pas moins que l’œuvre est devenu une icône de l’art néoclassique et une représentation symbolique de Napoléon lui-même. C’est cette attitude égocentrique que nous avons trouvé intéressant d’appuyer dans notre réinterprétation. 

 

Diptyque Marilyn
d’Andy Warhol
Lieu : Pole Social Media & Veille

On passe à une autre icône, plus féminine mais tout aussi charmismatique. Le Diptyique Marilyn, œuvre majeure d’Andy Wharhol, est le symbole du pop art dans toute sa splendeur. Cette œuvre fait partie de la série de portraits de Marilyn Monroe que Warhol a créés après la mort tragique de l’actrice en août 1962, d’après une photographie publicitaire de son film « Niagara ».

Réalisée en sérigraphie, l’œuvre originale comprend cette même image répétée 25 fois sur chacun des 2 panneaux. Les couleurs sont vives et variées sur le panneau gauche, tandis qu’elles apparaissent en noir et blanc sur le panneau droit, avec une dégradation progressive de l’image, donnant une impression de flou et de disparition. Warhol a choisi de représenter Marilyn, figure emblématique de la beauté et du glamour, afin d’explorer les thèmes de la célébrité, de l’immortalité et de la mortalité. Notre réinterprétation de cette œuvre cherche simplement à appuyer la modernité du travail de Wharol à son époque ! 

Le Déjeuner des Canotiers
d’Auguste Renoir
Lieu : La cuisine

Cette célèbre peinture réalisée par Auguste Renoir entre 1880 et 1881 est un chef-d’œuvre de l’impressionnisme, capturant une scène de convivialité et de loisirs sur la terrasse de la Maison Fournaise, un restaurant situé sur l’île de Chatou, en bord de Seine près de Paris. Le tableau représente un groupe d’amis de Renoir, assis et debout autour d’une table après un déjeuner.

À la fin du XIXe siècle, les bords de Seine étaient des lieux populaires pour les Parisiens cherchant à échapper à la ville et à profiter des loisirs en plein air. Une atmosphère de convivialité en plein air parfaite pour une œuvre impressionniste, dont le peintre parvient à capturer les interactions et les expressions des personnages pour offrir un sentiment de spontanéité et de naturel. De notre côté, nous avons retranscrit l’œuvre dans une scène mondaine, parce qu’on bosse dans la pub après tout. 

 

Le fils de l’homme
de René Magritte
Lieu : Bureau de Thierry et Régine

Place au surréalisme avec l’un des tableaux les plus célèbres du peintre belge René Magritte. Réalisé en 1964, ce tableau est une illustration classique de l’approche énigmatique et provocatrice du peintre envers l’art et la réalité.

« Le Fils de l’homme » représente un homme en costume gris, avec une cravate rouge et un chapeau melon noir, debout devant un muret, une pomme verte flottant devant son visage. Magritte était connu pour prendre des objets ordinaires et les placer dans des contextes étranges ou inattendus pour provoquer une réflexion sur la réalité et la perception. La pomme, fruit ordinaire par excellence, acquiert ici une qualité surréaliste. 

Pour l’anecdote, cet homme est souvent interprété comme une représentation de Magritte lui-même, un motif récurrent dans l’œuvre de l’artiste, dont le costume et le chapeau melon symbolisent la banalité et la conformité sociale. Deux thèmes que Magritte aimait interroger.

Autoportrait au collier d’épines et colibri
de Frida Kahlo
Lieu : Grande salle de réunion

Au cours de sa vie, Fridha Kahlo a décliné son image sous la forme de dizaines d’autoportraits. L’artiste mexicaine la plus célèbre du XXe siècle livre ici le tableau le plus emblématique de son style unique. Dans l’œuvre originale, Frida Kahlo se représente de face, regardant directement le spectateur avec une expression stoïque et intense. Elle porte un collier fait de branches d’épineux qui s’enroulent autour de son cou, piquant sa peau et faisant couler quelques gouttes de sang. 

Référence évidente à la couronne d’épines du Christ, l’artiste dépeint ici ses propres souffrances physiques et émotionnelles. Les éléments naturels, comme le colibri, le chat et le singe, ainsi que le fond luxuriant, enrichissent le tableau de significations culturelles et personnelles, comme son attachement à la nature et à la culture mexicaine. Ainsi, cet autoportrait reflète parfaitement sa lutte personnelle et son exploration de l’identité.

Frida Kahlo est aujourd’hui reconnue comme une icône culturelle et féministe, et son travail continue d’influencer et d’inspirer des artistes du monde entier. Il nous était impossible de ne pas lui rendre hommage !